О РАБОТЕ

ТЕРРИТОРИЯ ЭТОГО СТРОГОГО И ДАЖЕ СУРОВОГО ЗДАНИЯ — КОГДА-ТО ЛАБОРАТОРИЯ ПРОКАТКИ И ОПОРНОЕ ЗДАНИЕ ДЛЯ СОЗДАНИЯ ЦНИИ ИМЕНИ АКАДЕМИКА И. П. БАРДИНА, ИЗУЧАЮЩЕГО ЧЁРНУЮ МЕТАЛЛУРГИЮ, — НЫНЕ РАБОЧЕЕ И КУЛЬТУРНОЕ ПРОСТРАНСТВО «СУПЕРМЕТАЛЛ», ВХОДНАЯ ГРУППА КОТОРОГО ПРЕДСТАВЛЕНА ПРИМЕЧАТЕЛЬНОЙ ЛЕПНИНОЙ С СЮЖЕТАМИ РАБОЧИХ ПРОЦЕССОВ МЕТАЛЛУРГОВ — ДИАЛОГ ПРОЛЕТАРИЕВ РАЗНЫХ ЭПОХ?

В работе «Failed State» художник исследует парадокс тотального подчинения, где «культ одного человека» ведёт к «аборту целой нации». Через взаимодействие форм и графических линий проявляется хрупкость политических, социальных и личных структур, создавая ощущение неустойчивого равновесия. Фрагменты разрушенных сварочных швов демонстрируют, как уязвимость металла трансформируется в сопротивление.



АЛЕКСАНДР КИПСОНЕ (Р. 1989)

— петербургский стрит-арт художник, фотограф и живописец. С 2004 года был активным участником граффити-сцены в России, параллельно получая реставрационное образование в Санкт-Петербургской академии имени А. Л. Штиглица. Работа на улицах стала важным этапом освоения визуального языка художника, который напрямую взаимодействует с контекстом города и его зрителем. Этот опыт сформировал понимание Александра, как художественное высказывание может существовать вне институциональных рамок.

В своих проектах художник обращается к теме религии, свободы и идентичности, в условиях современного общества. Этот поиск находит отражение не только в визуальной форме, но и через тексты, сопровождающие его произведения, где социальное наблюдение становится важным инструментом фиксации настоящего.

Принял участие в нескольких десятках выставок в России и за рубежом: в галереях (Rizzordi Art Foundation, AG gallery, KZ gallery, DiDi gallery), Берлине, Германия (Galerie Kornfeid), (Cyberfest), Орхусе, Дания (Jacob Bjorn gallery), в Музеи искусства Санкт-Петербурга XX—XXI вв.еков («Культурная Дислексия» 2021), а также участие в ярмарке современного искусства Cosmoscow'22 (стенд Didi gallery) и в благотворительном проекте («Тебя не узнать» 2022) Новое Крыло музея Гоголя, Москва. В 2023 году состоялась персональная выставка «Критически нормальный» (Didi gallery, Санкт-Петербург). В 2024 автор принял участие в ярмарке современного искусства ART021 (Шанхай).

О РАБОТЕ

БЫТОВОЙ ПРЕДМЕТ — НОЖ, НАЙДЕННЫЙ НА УДЕЛЬНОМ РЫНКЕ, — ПРЕДНАМЕРЕННО ДЕФОРМИРОВАН, ЧТО ДЕЛАЕТ НЕВОЗМОЖНЫМ ЕГО ДАЛЬНЕЙШЕЕ ПРАКТИЧЕСКОЕ ПРИМЕНЕНИЕ. ЗАКЛЮЧЁННЫЙ В ЭПОКСИДНУЮ СМОЛУ В ФОРМЕ БРУСЧАТКИ, ОН ПРЕВРАЩАЕТСЯ В СВОЕОБРАЗНЫЙ «ПАМЯТНИК» УТРАТЕ ФУНКЦИИ.

Работа акцентирует внимание на трансформации повседневного объекта: от инструмента к артефакту, от утилитарного — к символическому, от частного — к элементу городской ткани.



a l e s h a

— мультидисциплинарный художник, работающий с различными медиа — от уличного искусства до инсталляций и тату. Родился в 1992 году в Зеленодольске. В возрасте 16 лет переехал в Англию и в период с 2009 по 2010 год изучал кинопроизводство в Cambridge School of Visual & Performing Arts (Кембридж). В 2012 году переехал в Америку и продолжил учебу на базе New York Film Academy, New York (2012−2014). Жил в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе, находился в прямом соприкосновении с локальным стрит-арт-сообществом. С 2015 года живёт и работает в России.

«Искусство для меня — способ говорить от первого и третьего лица одновременно: каждое произведение становится и личным, и обезличенным высказыванием о культурных, личных и социальных структурах реальности. Идея всегда первичнее формы, поэтому мои работы реализованы в разных медиумах: живопись, объекты, видеоарт, татуировки, уличные практики. Первые и самые известные проекты были связаны со стрит-артом, но сейчас это лишь одно из направлений моей практики. Для меня искусство — это не конечные произведения, а процесс, который меняется вместе с реальностью».

Избранные проекты художника:

— То, что останется после тебя: археология будущего (L. E. gallery & Галерея ₽УБЛ, Санкт-Петербург, 2025);
— Перформанс/21 день (Персональная выставка в EGGZ gallery, Санкт-Петербург, 2024);
— Артефакты (Стрит-арт хранение, Санкт-Петербург, 2024);
— Вне Себя (Персональная выставка в «Метамодернисты», Санкт-Петербург, 2024);
— Части стен 3 (Ruarts, Москва, 2024);
— Улица с односторонним движением (Triumph gallery, Москва, 2023);
— Что останется после меня (Удмуртский республиканский музей
изобразительных искусств, Ижевск, 2023);
— III Международная триеннале современной графики (Новосибирский государственный художественный музей, 2021);
— Reflections Virtual Exhibition (The Holy Art, London, England
, 2021);
— Они только жрут (Персональная выставка в Центре современной культуры «Смена», Казань, 2018);
— Young artist run free (Персональная выставка в «Штаб», Казань, 2016);
— First Time Персональная выставка в Pips gallery, Brooklyn, New York, 2015).

Работы находятся в собраниях ZAMAN Museum в Уфе и Стрит-арт Хранения (САХ) в Санкт-Петербурге.

КОММЕНТАРИЙ ХУДОЖНИКА:

Казанский вокзал — точка прибытия и начала.
Здесь я всегда оказывался, приезжая из Казани в Москву.

ПРОЗРАЧНЫЙ КИРПИЧ С ИЗОБРАЖЕНИЕМ МОЕГО ЗАТЫЛКА — ЗНАК АДАПТАЦИИ, ПЕРЕХОДА МЕЖДУ ГОРОДАМИ, МЕЖДУ ПРОШЛЫМ И НАСТОЯЩИМ. ЗАТЫЛОК СМОТРИТ ТУДА, ОТКУДА Я ПРИШЁЛ. ПРОЗРАЧНОСТЬ — ТУДА, КУДА ИДУ.



a l e s h a

— мультидисциплинарный художник, работающий с различными медиа — от уличного искусства до инсталляций и тату. Родился в 1992 году в Зеленодольске. В возрасте 16 лет переехал в Англию и в период с 2009 по 2010 год изучал кинопроизводство в Cambridge School of Visual & Performing Arts (Кембридж). В 2012 году переехал в Америку и продолжил учебу на базе New York Film Academy, New York (2012−2014). Жил в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе, находился в прямом соприкосновении с локальным стрит-арт-сообществом. С 2015 года живёт и работает в России.

«Искусство для меня — способ говорить от первого и третьего лица одновременно: каждое произведение становится и личным, и обезличенным высказыванием о культурных, личных и социальных структурах реальности. Идея всегда первичнее формы, поэтому мои работы реализованы в разных медиумах: живопись, объекты, видеоарт, татуировки, уличные практики. Первые и самые известные проекты были связаны со стрит-артом, но сейчас это лишь одно из направлений моей практики. Для меня искусство — это не конечные произведения, а процесс, который меняется вместе с реальностью».

Избранные проекты художника:

— То, что останется после тебя: археология будущего (L. E. gallery & Галерея ₽УБЛ, Санкт-Петербург, 2025);
— Перформанс/21 день (Персональная выставка в EGGZ gallery, Санкт-Петербург, 2024);
— Артефакты (Стрит-арт хранение, Санкт-Петербург, 2024);
— Вне Себя (Персональная выставка в "Метамодернисты", Санкт-Петербург, 2024);
— Части стен 3 (Ruarts, Москва, 2024);
— Улица с односторонним движением (Triumph gallery, Москва, 2023);
— Что останется после меня (Удмуртский республиканский музей
изобразительных искусств, Ижевск, 2023);
— III Международная триеннале современной графики (Новосибирский государственный художественный музей, 2021);
— Reflections Virtual Exhibition (The Holy Art, London, England
, 2021);
— Они только жрут (Персональная выставка в Центре современной культуры «Смена», Казань, 2018);
— Young artist run free (Персональная выставка в "Штаб", Казань, 2016);
— First Time Персональная выставка в Pips gallery, Brooklyn, New York, 2015).

Работы находятся в собраниях ZAMAN Museum в Уфе и Стрит-арт Хранения (САХ) в Санкт-Петербурге.

О РАБОТЕ

ЦЕНТРАЛЬНЫЙ ОБРАЗ РАБОТЫ — ДВА ПРИЛЬНУВШИХ ДРУГ К ДРУГУ ЛЕБЕДЯ — КЛАССИЧЕСКИЙ СИМВОЛ КРАСОТЫ, СТАВШИЙ «ГОТОВЫМ КЛИШЕ» И ЭЛЕМЕНТОМ КИТЧА. КАРТИНА ВЫПОЛНЕНА В КОНТРАСТНЫХ ЦВЕТАХ, КОТОРЫЕ ПРИ ЗРИТЕЛЬНОМ СМЕШЕНИИ ЗАДАЮТ ОБЩИЙ НЕЖНО-РОЗОВЫЙ ТОН. ТАКАЯ ЛЁГКАЯ ДЕФОРМАЦИЯ КОЛОРИТА, КАК ЕСЛИ БЫ КТО-ТО ИГРАЛСЯ С ЦВЕТОВЫМИ КАНАЛАМИ ИЗОБРАЖЕНИЯ, ПОДЧЁРКИВАЕТ ХРУПКОСТЬ И ИЗМЕНЧИВОСТЬ ПРЕДСТАВЛЕНИЙ О КРАСОТЕ В СОВРЕМЕННУЮ ЭПОХУ.

Через искажение образа художник задаёт вопросы о гранях между искренностью и стилизацией, природным и искусственным. Работа приглашает зрителя взглянуть глубже и переосмыслить привычные символы.

Размещенная на крупном горизонтальном билборде Ленинского проспекта у ансамбля домов с башнями на Площади Гагарина, картина становится частью городского ландшафта, создавая диалог между современностью, традициями и архитектурным пространством города — местом схождения трех буквальных и аллегорических магистралей. Значение этой локации как парадных «ворот» в столицу подчёркивает идею перехода от классических образов к новому восприятию красоты в условиях стремительных изменений.



ЕВГЕНИЙ МАЛЫШЕВ (JÖN)

— современный художник, который живет и занимается творчеством в Калининграде. Ещё в школьные годы его вдохновили работы первых калининградских граффити-райтеров, и он сам начал создавать граффити. Со временем Евгений перешел к более необычным формам уличного искусства, таким как стрит-арт, а затем заинтересовался современной живописью. Параллельно он занимается оформлением обложек для дэт-метал и грайндкор коллективов, что тоже оказывает влияние на его творческий стиль и концепции.

Евгений исследует границы между традицией и современностью через неожиданные визуальные образы. Его работы часто играют с символами и клише, переосмысливая известные мотивы в контексте актуальных культурных и социальных процессов. В творчестве Евгения заметно влияние его родного города Калининграда: морские пейзажи и атмосферу приморья художник регулярно использует как важный визуальный и символический элемент. Его работы подчеркивают изменчивость восприятия красоты и подлинности, приглашая зрителя к диалогу о природе искусства и современного мира.

Художник принимал участие в многочисленных выставках и фестивалях современного и уличного искусства в России и за рубежом. Среди них — персональная выставка в Москве («Редкие виды», галерея «159 F»), большая выставка двух авторов «Безопасное расстояние» в культурном пространстве БАРН в Калининграде, а также коллективные проекты в Балтийском филиале Пушкинского музея (2024) и галерее Ruarts (Москва, 2024). Проходил творческие резиденции в Германии (Furstenwalde artspace, 2022) и Финляндии (Helsinki Urban Art, 2022). Работы Евгения участвовали во многих крупных стрит-арт фестивалях, включая «Карт-бланш» (Екатеринбург), «Меморандум» (Уфа) и «Место» (Нижний Новгород).

О РАБОТЕ

ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ДОМ РАДИОВЕЩАНИЯ И ЗВУКОЗАПИСИ НА НИКИТСКОЙ — МЕСТО, ОТКУДА АНОНСИРОВАЛ ГЛАВНЫЕ НОВОСТНЫЕ СВОДКИ СТРАНЫ ДИКТОР ЮРИЙ ЛЕВИТАНТОЙ ТВЁРДОЙ, НАПОЛНЕННОЙ ИДЕОЛОГИЧЕСКОЙ ЭНЕРГИЕЙ ФРАЗОЙ — «ГОВОРИТМОСКВА!».

Художник Миша Маркер создает текстуальную работу — холст с преобладающей горизонталью, отсылающую к советским растяжкам с лозунгами. Узнаваемые белые буквы на ало-красном транспаранте прописывают ёмкую, но бьющую клином фразу.



МИША МАРКЕР

— анонимный уличный художник из Санкт-Петербурга, является одной из самых значимых фигур Петербургского стрит-арта. Известен тем, что устанавливает свои плакаты с социально-политическим подтекстом на городских билбордах с 2014 года.

Работы Миши — лаконичные и яркие высказывания, которые находят отклик у тысяч граждан России. Они регулярно появляются в форме плакатов на рекламных билбордах города. В них художник поднимает темы коррупции, насилия государства над личностью, дискриминации и социального неравенства.

Избранные проекты художника:

— «Салон отверженные собак» (Негосударственный Нерусский Музей, Санкт-Петербург, 2025);
— «Оптимист» (персональная выставка в пространстве «Метамодернисты», Санкт-Петербург, 2024);
— «Маяковский. Трибьют» (библиотека им. Маяковского, Санкт-Петербург, 2024);
— «Весна» (персональная выставка в пространстве «Метамодернисты», Санкт-Петербург, 2024);
— «Хуйня» (персональная выставка в Исткабеле, Санкт-Петербург, 2023);
— «Маме не говори» («Namegallery», Санкт-Петербург, 2022);
— «Миша» (персональная выставка в пространстве 10.203, Санкт-Петербург, 2021);
— «Искусство тридцатилетних» (Русский музей, Мраморный дворец, Санкт-Петербург, 2021);
— Фестиваль «Ничего страшного» (Ростов, 2021 и 2022);
— Фестиваль партизанского уличного искусства «Карт-бланш» (Екатеринбург, 2018−2020);
— «Коммуналка» (галерея «Триумф», Москва, 2020);
— «Еретик» (персональная выставка в галерее «Navicula artis», Санкт-Петербург, 2019);
— «Гравитационный коллапс» (галерея «Artservatory», Хабаровск, 2019);
— Фестиваль «Culturafest» (Хельсинки, 2019).

О РАБОТЕ

СКРУПТУРА, РОЖДЁННАЯ ИЗ ПРИНЦИПОВ СТРУКТУРНОГО ЭКСПРЕССИОНИЗМА И НАСЛЕДИЯ АРХИТЕКТУРНОГО ДУЭТА РИЧАРДА РОДЖЕРСА И РЕНЦО ПЬЯНО.

Располагая работу на газоне индустриального пространства ГЭС-2, авторы продолжают архитектурный язык здания, переводя его конструктивные идеи и массивы, будто заплетая металлические трубы электростанции, похожие на огромный орган города, в скульптурное пространство.



3TWINS

— творческий дуэт братьев-близнецов Юрия и Анатолия Зеленских из Белгорода, чья художественная практика выросла из увлечения граффити. Изучая архитектуру и преодолевая влияние субкультур, братья Зеленские постепенно перешли от практики написания шрифтов на улицах к созданию крупномасштабных абстрактных композиций в контексте городских пространств.
Их работы соединяют индустриальную архитектуру, элементы цифрового искусства и особенности городских пространств, превращая привычную среду в абстрактные композиции. Проекты 3TWINS были представлены в Европе и Азии, включая публикацию отдельного выпуска журнала Pinzle в Южной Корее. На данный момент живут и работают на два города — Москву и Лиссабон.

«Наши работы исследуют взаимосвязь визуального искусства и урбанистической среды, где индустриальная архитектура и городские конструкции становятся основой для художественного языка. Мы создаем site-specific композиции, которые напрямую взаимодействуют с контекстом места, включая формы, текстуры, силуэты и цветовые решения окружающего ландшафта. Контраст между старой архитектурой и новой застройкой, природными и искусственными фактурами, а также разномасштабными объектами города становится центральной темой наших проектов. В последние годы мы активно включаем в практику элементы цифровой среды, соединяя их с материальной реальностью и формируя новый визуальный опыт восприятия пространства».

Избранные проекты художников:

-BALUARTE (Porto, Portugal, 2024);
-«Посторонним В!» (Ural Vision Gallery, Екатеринбург, 2021);
-IV Аукцион искусства уличной волны, RuArts Gallery, Москва, 2020);
-Фестиваль партизанского уличного искусства «Карт-Бланш» (Екатеринбург, 2020);
-Monumenta — Intelligence of Many (Лейпциг, Германия, 2018);
-III Биеннале уличного искусства ARTMOSSPHERE (ЦСИ Винзавод, Москва, 2018);
-Групповая выставка «Праздник к вам приходит» (Музей стрит-арта, Санкт-Петербург, 2017);
-«Пересечения» (персональная выставка в Студии К34, Белгород).

О РАБОТЕ

Оглянемся направо, затем налево. Вот он — светский центр столицы, микрорайон старой Москвы, в который удивительным образом помещается всё и сразу — Патриаршие. И в каждой букве этого названия слышится лоск (превратившийся скорее в налет) статусности, вынесенной на витрину городского гламура.

«ФЭНСИ. ФЭШН. ФАРШ» — В ЭТОМ АНТУРАЖЕ ЗВУЧИТ КАК ДЕВИЗ, ПЕРЕДАЮЩИЙ ЦЕННОСТИ, КОТОРЫЕ, КАЖЕТСЯ, НЫНЕ ПРАВЯТ БАЛОМ. ЭТИ ТРИ СЛОВА ХУДОЖНИК СИНИЙ КАРАНДАШ НАНОСИТ НА УГОЛ ЖИЛОГО ДОМА, ФАСАД КОТОРОГО ВЫХОДИТ ПРЯМО НА ВИНОВНИКА ЭТОГО ГЛАМУРНОГО ФАРСА — ПАТРИАРШИЕ ПРУДЫ. В КИТЧЕ И КОНТРАСТЕ СЛОВ, ВЫВЕДЕННЫХ ФИРМЕННЫМ СИНИМ ШРИФТОМ ХУДОЖНИКА, — ЛАКОНИЧНАЯ ИРОНИЯ НАД ВЫЧУРНОЙ РОСКОШЬЮ И ИСКУССТВЕННОЙ ЭЛИТАРНОСТЬЮ.

«Кажется, это подходящая фраза о том, как живут Патриаршие пруды последние лет 15–20. Тонущие в деньгах люди стараются не опускать планку демонстративного потребления и делают это от всего сердца», — комментирует художник.



СИНИЙ КАРАНДАШ

– уличный художник из Нижнего Новгорода, работающий со словом и пространством. Его авторский стиль подразумевает лаконичные и остроумные надписи, комментирующие те или иные события, ситуации, состояния или места и предлагающие по-новому их осмыслить. На данный момент живет и работает в Ереване, Армении.

В своих высказываниях смешивает искусство, социально значимые темы, урбанизм и поэзию. Слова могут быть написаны в городской среде, в интерьере, в книгах, на произведениях искусства и их копиях, на фотографиях, телах и иных свободных поверхностях. Шрифт художника легко узнаваем — прямоугольные вытянутые по вертикали буквы синего цвета. Его надписи комментируют пространство и время, откликаясь на все то, что происходит с каждым из нас отдельно и со всеми вместе. 

Избранные проекты художника:

- «Городской цветок» (Центр современного экспериментального искусства, Ереван, 2025);
- «Там останется здесь» (:DDD Kunst House, Ереван, 2025);
- «Каскад (не)сбывшихся желаний» (Третье место, Санкт-Петербург, 2025);
- «Скрытые чувства» (ДК ГАЗ, Нижний Новгород, 2024);
- «Палимпсест» (Культурный квартал «Брусницын», Санкт-Петербург, 2024);
- «Маяковский. Трибьют» (Центр искусства и музыки Библиотеки Маяковского, Санкт-Петербург, 2024);
- «Хроника цветущих событий» (Галерея Триумф в Москве, Центр современной культуры «Смена» в Казани и Муниципальный художественный музей в Перми, 2023-2024);
- «1+1=1» Посвящение Тонино Гуэрре (Центр «Мира», Суздаль, 2023);
- «Место Х Зарядье. Выставка Нижегородского уличного искусства» (Зарядье, Северный тоннель, Москва, 2021-2022);
- «Выставка забытых слов» (Центр современной культуры Terminal A, Нижний Новгород, 2021);
- «799 или за год до 800» (Арсенал и галерея Futuro minor, Нижний Новгород, 2020).

О РАБОТЕ

МОЗАИКА «ДЕВОЧКА С ПИКСЕЛЯМИ» — ЭТО ОММАЖ НА ОДНУ ИЗ САМЫХ ИЗВЕСТНЫХ КАРТИН ВАЛЕНТИНА СЕРОВА. ЭТА МОЗАИКА — ДАНЬ УВАЖЕНИЯ ХУДОЖНИКУ. Я СТИЛИЗОВАЛ КАРТИНУ «ДЕВОЧКА С ПЕРСИКАМИ» В СВОЁМ ПИКСЕЛЬНОМ СТИЛЕ, МАКСИМАЛЬНО УПРОСТИВ И УМЕНЬШИВ ДЕТАЛИЗАЦИЮ, СТАРАЯСЬ СОХРАНИТЬ УЗНАВАЕМОСТЬ, НАСТРОЕНИЕ И ВПЕЧАТЛЕНИЕ ОТ КАРТИНЫ.

Как оказалось, пиксели хорошо ложатся на импрессионизм, картина Серова как будто уже содержит в себе стилизацию, она как бы разбита на цветные пятна и плоскости. Создавая этот оммаж, я анализировал цветовую гамму и композицию в картине, в процессе работы старался найти баланс между упрощением и сохранением настроения и цветовой гаммы картины.

Я разработал специальную технику по созданию отдельных фрагментов, чтобы сделать отдельные пиксели объемными и максимально соответствующие по цвету.


VLADIMIR NET

— стрит-арт художник из Санкт-Петербурга. Создает мозаики в стиле пиксель-арт и воксельные инсталляции, которые помещает в городское пространство. Работы художника можно встретить в разных городах России и за её пределами.

Мозаики, как правило, небольшого размера, выполнены из стеклянной плитки. Все работы стилизованы, каждый элемент — это отдельный цветной пиксель. Такая стилизация является визитной карточкой автора, ее цель — минимальными изобразительными средствами передать смысл и идею работы, добиться максимальной узнаваемости персонажа или объекта. Встретить одну из них на улице, это как найти пасхалку в компьютерной игре.

Владимир активно участвует в выставках и стрит-арт фестивалях, среди них фестиваль «Один за всех» (2020), фестиваль «Место» (Нижний Новгород, 2021), выставка «Тебя не узнать» (Москва и СПб, 2022), «Две столицы в современном искусстве» (СПб, 2023), «Жизнь замечательных собак» (Мраморный дворец Русского музея, СПб, 2025). В 2024 году у художника состоялась коллаборация с брендом URBANTIGER, результатом которой стала капсульная коллекция Pixel Planet. В 2024 году в коллаборациях создал мозаики для Европы Плюс на набережной Севкабель порта и для сети кафе БУШЕ, а также инсталляцию для Т-банка в Мурманске.

О РАБОТЕ

В САМОМ ЦЕНТРЕ МОСКВЫ, ДОЙДЯ ДО КАРЕТНОГО РЯДА, ТЫ ОБЯЗАТЕЛЬНО НАБРЕДЕШЬ НА ЭТОТ ЗЕЛЁНЫЙ УГОЛОК, МЕСТО ПРИТЯЖЕНИЯ ТЕАТРАЛЬНЫХ ДЕЯТЕЛЕЙ И ТЕАТРАЛОВ РАЗНЫХ ПОКОЛЕНИЙ — САД ЭРМИТАЖ — В САМОМ ДЕЛЕ МЕСТО УЕДИНЕНИЯ.

Комментарий художницы:

Много лет ты живёшь в одном городе. Часто ходишь мимо маленького сада, присаживаешься или заходишь на пикник и на летнюю веранду. Летом и осенью смотришь на большой заброшенный театр, на голову Данте — и кажется, что все это приятная, но заурядная повседневность. А потом — бам! И ты живешь уже совсем другую жизнь, и декорации прошлого превратились в дым. Воспоминания о них настолько спутанные и нечеткие, что начинаешь путаться в эпохах, столетиях, собственных возрастах и состояниях сознания.

Куда делось целое десятилетие? Бывала ли я там в действительности? Или я просто помню фотографии с онлайн-карт? Не все ли равно, если теперь свой след можно оставить в таком же эфемерном, как моя ностальгия, виртуальном пространстве маленького сада?


АНТОНИЯ ЛЕВ

— художница родом из Москвы. По первому образованию — графический дизайнер с дипломом Британской высшей школе дизайна. Основные направления ее работ — иллюстрация и уличное искусство. В 2015 году Антония начала создавать небольшие нелегальные произведения уличного искусства в городах России в поисках нового медиума. Переосмыслив себя как уличный художник, она начала участвовать в фестивалях стрит-арта, одновременно формируя свой самобытный иллюстративный стиль. Благодаря практике уличного искусства рисунки Антонии перестали быть просто иллюстрациями и стали отражением диалога между культурой, окружающей средой и людьми. С 2022 года живет между двумя городами — Тель-Авивом и Екатеринбургом.

«Предмет моего творческого интереса — этика межличностных отношений на микроуровне, и их проекция на социальные явления, символические структуры и природу — на макроуровне. Я вижу, как вместо продуктивного диалога и сосуществования, люди предпочитают уничтожение друг друга и конфликты. Это носит острый характер и в цифровом пространстве, где люди совершают множество болезненных касаний друг с другом ежедневно. Экологические проблемы также являются следствием несовершенных этических выборов и недостатком опыта внимательного наблюдения за потоками. Процесс создания работы для меня — это всегда практика нащупывания ритма, чередование наблюдения за потоками желания другого, и совершение собственного этического выбора.»

Художница активно участвует в международных и российских фестивалях уличного искусства.

О РАБОТЕ

Комментарий художницы:

Лежишь вроде тихо, но не можешь заснуть. ощущаешь как прямо вокруг твой кровати разверживается она — МОСКВА, точно огромная гудящая воронка.

ПО НОЧАМ СТУДЕНТЫ ТОПЧАТ ТВОЙ ПОДЪЕЗД, А БАР ПОД НИМ НАЛИВАЕТ ПЛОХО СГАРМОНИЗИРОВАННЫЕ КОКТЕЙЛИ. ПОЭТОМУ МЫ ТУДА НЕ ИДЕМ. МЫ ИДЕМ РИСОВАТЬ В МИСТИЧЕСКИХ ДВОРАХ И ИСКАТЬ ДРУГУЮ НОЧЬ.


АНАСТАСИЯ ДУНАЕВА

— художница и исследовательница граффити как среды и культурного феномена. Выпускница Факультета дизайна Высшей школы экономики и Института современного искусства Иосифа Бакштейша. Автор книги «Антистиль: между граффити и современным искусством», изданной при поддержке фонда inloco и Института исследования стрит-арта, посвящённой феномену агли-граффити и антистиля в уличном искусстве.

В своей уличной практике создает абстрактные картины в общественных местах, которые становятся предметом её дальнейших экспериментов с репрезентацией, в том числе в цифровом формате и на комнатных носителях. Работы художницы в среде строятся по принципу «архитектура + комментарий». Несмотря на наличие общих черт со стрит-артом, то есть взаимодействия с пространством, эфемерности и маргинальности, её практика несёт в себе чёткие характеристики современного искусства и может быть более точно описана как «уличная живопись».

Избранные проекты художницы:

— «The hum of the factory» (в рамках Выкса-Фест, Выкса, 2025);
— «Port Art Fair (PAF)» (Санк-Петербург, 2025);
-«WIN-WIN» (Винзавод, Москва, 2024−2025);
-«Части Стен 3» (Фонд Ruarts, Москва, 2024);
— «X-Nowness» (Basel Art Center в Базеле, 2022);
— Выставка + Аукцион «Тебя не узнать» от арт-группы ВЕХА (Дом Гоголя, Москва, 2022);
— «Возвращение Колобка и еще несколько странных аттракторов» (ЦТИ Фабрика, АСИ, Москва, 2022);
— «Морфология улиц» (Тюмень, 2022);
— Персональная выставка «Карандаш огонь вода и бутылка лимонада и железная рука» (галерея Электрозавод, Москва, 2021);
Фестиваль партизанского уличного искусства «Карт-бланш» (Екатеринбург, 2021);
«PENDING FUTURES» (Российско-Нидерландская выставка ARTCATCH на платформе V-Art, Нидерланды-Россия, 2021);
— «Аукцион и выставка HSE х SAMPLE» (HSE ART GALLERY и ГУМ, Москва, 2019).

О РАБОТЕ

Художник посвятил холст одному из знаковых мест для творческой молодежи Москвы нулевых-десятых годов. Речь идет о дворе сталинской высотки на Котельнической набережной. До середины десятых годов двор был хол-оф-феймом — местом стихийного скопления граффити в городе. Здесь происходили знакомства художников, фотографов, музыкантов, неформальные тусовки и, конечно же, много рисования.

КОМПОЗИЦИЯ ПРЕДСТАВЛЕНА ЯРКИМ СБОРИЩЕМ, ХАРАКТЕРНЫМ ДЛЯ КОЛОРИТА И АВТОРСКОГО СТИЛЯ BEAT. C, ГДЕ ОЖИВШИЙ БАЛЛОНЧИК С КРАСКОЙ, КРОВОЖАДНЫЙ ПАУК, ЛЮБИМЫЙ ХУДОЖНИКОМ ГЕРОЙ — ЖАБ, И ПРОСТО РАЗНОГО РОДА ДЕБОШИРЫ ЦИРКУЛИРУЮТ ВОКРУГ СОВЕТСКОГО СИМВОЛА С НАВЕРШИЯ ВЫСОТКИ — ПЯТИКОНЕЧНОЙ ЗВЕЗДЫ.



BEAT.C

— художник уличной волны из небольшого города во Владимирской области, Гусь-Хрустальный. В середине нулевых переехал в Москву, где познакомился с феноменом граффити и стал активным участником сообщества. После получения образования по специальности «Графический дизайн» продолжил расширять количество медиумов и форматов работы, что на данный момент включает иллюстрацию, графику на холсте, мурализм, тиражное творчество, скульптуру и техники декоративно-прикладного искусства.

В своей творческой практике художник использует иллюстративный подход. Его формообразование и приемы зародились на базе классического граффити, которым он занимается с 2009 года. Многолетнее уличное рисование сформировало у него собственный метод создания более сложных композиций, нежели простое написание псевдонима на стене. Временами мотивы произведений beat. c наивны и неформальны. Обычно они включают сцены из жизни самого автора. Герои его произведений повторяются и представляют собой отдельную мини-вселенную со своей атмосферой и особенностями.

Избранные проекты художника:

— Фестиваль уличного искусства «Смена» (2025);
— «Паблик арт. Действующие лица» (Русский дом в Берлине, 2025);
— Фестиваль уличного искусства «Морфология улиц» (Тюмень, 2024);
— «Граффити коннект» (Центр современной культуры «Флигель», Владимир);
— Маркет современного искусства в галерее «Сабстанция» (Москва, 2024);
— Фестиваль уличного искусства «мóсты» (Благовещенск, 2023);
— Маркет современного искусства WIN-WIN (ЦСИ «Винзавод», Москва, 2022 и 2023);
— Фестиваль уличного искусства «33ZAGFEST» (Владимир, 2022 и 2023);
— Проект-коллаборация «Swatch x You» с брендом часов Swatch (2022);
— Фестиваль уличного искусства «Стенограффия» (Екатеринбург, 2021).

О РАБОТЕ

Художник помещает в центр архивной карты, задающей топонимами собственные контуры, алогическую фразу с неуклюже выпадающими буквами, но уверенно, акустически и визуально воздействующую на своего читателя / зрителя.

«ТЕКСТ РАБОТЫ — ЭТО ПРЯМАЯ ЦИТАТА ИЗ СТИХОТВОРЕНИЯ МОЕГО ТОВАРИЩА, ЧЬЯ МАСТЕРСКАЯ НАХОДИТСЯ В СТАРОСАДСКОМ ПЕРЕУЛКЕ. У НЕГО, КАК ВИДНО, ДИСГРАФИЯ, НО ЭТО НИСКОЛЬКО НЕ УМАЛЯЕТ ЕГО ПОЭТИЧЕСКИЙ И ОРАТОРСКИЙ ТАЛАНТЫ», — РАССКАЗЫВАЕТ ХУДОЖНИК.


ВАСИЛИЙ БАЗЕЛЕВС

— художник и куратор, писатель и исследователь уличных практик, редактор канала и издательства «С&Ф». Специализируется на текстовом искусстве и type sincerity-граффити. Живет и работает в Санкт-Петербурге.

«Я пишу, чтобы жить вечно.
Я пишу обо всём — что вижу, чувствую и переживаю. Пишу о людях, пространстве, искусстве и событиях. А иногда я не пишу вовсе, а собираю пазлы из букв.
Я пишу на стенах, на холстах, в блогах, в записных книжках, на бумаге — где угодно. Я пишу короткие бытописательские строчки, громоздкие муралы, литературные повести, скучные репортажи, подписи к открыткам, искусствоведческие статьи, нечитаемые граффити — что угодно. Я общаюсь с миром буквой, и только так умею это делать".

Избранные проекты художника:

— Фестиваль «Смена» (паблик-арт, Черногорск, 2025);
— «На Уделке» (куратор выставки-ярмарки на Удельном рынке, Санкт-Петербург, 2024);
— «Артефакты» (куратор выставки в музее САХ, Санкт-Петербург, 2024);
— Фестиваль «Морфология улиц» (паблик-арт, Тюмень, 2024);
— «Точка.» (персональная выставка, БКЦ Нота, Санкт-Петербург, 2024);
— «На кухне» (персональная выставка-чаепитие, Санкт-Петербург, 2024).

О РАБОТЕ

Дом культуры имени Русакова в Сокольниках — экспериментальное архитектурное высказывание, дом-шестерёнка авторства одного из самых «московских» архитекторов — Константина Мельникова, создавшего удивительную конструкцию нависающих над пешеходами выступов трёх амфитеатров зрительного зала с системой передвижных стен для разделения и расширения пространства внутренних помещений. Новаторский проект для набирающих популярность в 1920−30-х годах XX века рабочих клубов — пространств, задуманных для образования, творчества и единения рабочих, по сути, ставший лабораторией новых решений.

«РАБОТА ОБРАЩЕНА К АРХИТЕКТУРЕ ЭТОГО ЗДАНИЯ — СИМВОЛУ СОВЕТСКОГО АВАНГАРДА И КОНСТРУКТИВИЗМА, ЕГО ДИНАМИКЕ ГЕОМЕТРИЧЕСКИХ ФОРМ. В КОМПОЗИЦИИ ЗАФИКСИРОВАНО НЕ САМО СТРОЕНИЕ, А ОЩУЩЕНИЕ ВДОХНОВЕНИЯ И УСТОЙЧИВОСТИ, КОТОРОЕ ОНО ВЫЗЫВАЕТ — ПУЛЬСИРУЮЩЕЕ ВИЗУАЛЬНОЕ ЭХО ГДЕ‑ТО В ОТГОЛОСКАХ ПАМЯТИ», — КОММЕНТИРУЕТ ХУДОЖНИК.


ИЛЬЯ SLAK

— мультидисциплинарный художник, преимущественно работающий с беспредметной абстракцией, стрит-артом и монументальной росписью. Родился в 1986 в Подмосковном Белоозерском. В 2008 получил высшее образования по специальности «Инженер-технолог». Получил дополнительное образование в области графического дизайна. В художественной практике фокусируется на развитии в области иллюстрации, визуальных коммуникаций и графического дизайна, объединяя концептуальный подход с точным и выразительным стилем.

«Я пришел к своему стилю через граффити, изначально через влечение к форме букв, их пластике и ритму. Со временем эта любовь трансформировалась: форма перестала быть привязана к жестким правилам построения букв и стала самоценной, универсальной, более свободной. Так я пришёл к абстракции как к языку, в котором можно говорить без слов и выражать полный эмоциональный спектр даже саамы сложных переживаний на каких то далеких рубежах. Геометрия стала моим полноценным инструментом самовыражения. Вместо написания конкретных слов или фраз использую напряжение между линиями, массами, ритмами. Форма для меня средство коммуникации».

Избранные проекты художника:

— «Архитектура слова» (ЦСИ «Винзавод», Москва, 2022);
— «True ли» (RuArts, Москва, 2021);
— «Ткань будущего» (ЖД вокзал, Иваново, 2021);
— Ярмарка World Art Dubai (World Trade Center, Dubai, 2021);
— A Major Minority Group Show: Graffuturism 10 Year Anniversary. Mirus Gallery (Сан-Франциско. Америка, 2020);
— Ярмарка Cosmoscow (Москва, 2019 и 2020);
— Ярмарка 14C (New Jersey, USA, 2019);
— «Части стен 2» (галерея RuArts, Москва, 2018);
— Аукцион искусства уличной волны (RuArts, Москва, 2015−2019);
— «Artmossphere» II Биеннале уличного искусства (Манеж, Москва, 2016);
— «Урбанизм: город в моём сознании» (Музей Москвы, Москва, 2014);
— «Арт-Стена» (Центр Курёхина, Санкт-Петербург, 2014);
— «Это никто не купит» (галерея «А3», Москва, 2011).

Активно сотрудничает с брендами, институциями и независимыми проектами в России, Европе, США и ОАЭ.

О РАБОТЕ

Комментарий художника:

Для своей работы я выбрал Палеонтологический музей им. Ю.А. Орлова в Москве — один из крупнейших естественно-исторических музеев мира.

Проект здания музея был выполнен архитектором Юрием Платоновым в стиле необрутализма. Музей, построенный из красного кирпича, напоминает средневековую крепость с четырьмя башнями. На одной из них я мысленно разместил свою работу — графическое изображение радиолярий.

В свойственной мне манере я создал работу, состоящую из двух слоев: размытый, словно с цифровым блюром, задний фон, выполненный маслом, изображает эдиакарскую биоту — морское дно неопротерозойской эры. На верхнем слое размещено графическое изображение радиолярий рода Acanthophracta — одноклеточных планктонных организмов размером от 0,04 до 1 мм, обитающих в морской воде и известных в слоях от современного времени до раннего кембрия. Ископаемые радиолярии используют в геологии для определения возраста осадочных пород. Их скелеты состоят из минералов — диоксида кремния или, у акантарий, из целестина. Меня же поразила их агрессивная, шипообразная и в то же время изящная форма, которая стала главным вдохновителем орнаментального слоя картины.


MISHA GUDWIN

— художник и куратор из Воронежа. Начал свой творческий путь в 2010 году как граффити-художник, впоследствии определил области своего интереса рамками современного искусства и стрит-арта. Окончил образовательную программу ЦСИ Воронеж и институт современного искусства БАЗА в 2021 году.

В своих работах он исследует взаимодействие уличной и цифровой среды. Художник зачастую работает с найденными объектами, отражающими индустриальный характер городского ландшафта. Также Мише интересны различные проявления современной поп-культуры и интернет-субкультур. Этот интерес отражается в исследованиях, посвящённых ранним стадиям цифровой среды, сквозь призму ностальгических образов начала 2000-х годов, а также в фокусе на таких нишевых явлениях, как эстетика traumacore, drain и weirdcore. Странные и неочевидные диалоги, возникающие между формами и смыслами, являются отличительной чертой работ Миши Гудвина.

Участник различных федеральных и международных выставок и резиденций, среди которых: персональная выставка в пространстве мастерской Фонда Владимира Смирнова и Константина Сорокина, резиденции «Открытые студии» (ЦСИ «Винзавод») и «Выкса», персональная выставка в галерее «Восход» (Базель, Швейцария) и в галерее Edicola Radetzky (Милан, Италия). Финалист конкурса молодых художников «Nova art» (2019).

О РАБОТЕ

Москва-река богата флорой и фауной. В ней можно встретить такие водные растения, как кувшинки и ряску, а также около 40 видов рыб и примерно столько же видов водоплавающих и околоводных птиц. Очевидцы сообщают о встречах с фламинго.


СЕРГЕЙ ХЕАТО (р. 1985)

— петербургский художник, активно занимающийся бомбингом. Выпускник Санкт-Петербургского государственного института культуры по направлению «Культурология» (2011). Является участником творческого объединения 10.203.

Избранные проекты художника:

— «Жизнь замечательных собак» (Русский музей, Санкт-Петербург, 2025)
— «Весть» (Русский музей, Санкт-Петербур, 2024);
— «Части стен 3» (Ruarts Foundation, Москва, 2024)
— «Уголь» (Ruarts Foundation, Москва, 2024);
— Unsorted (культурное пространство Ц-1, Москва, 2023);
— Limited Edition (галерея One’s Mind, Санкт-Петербург, 2023);
— «Лес» (посёлок Песочный, Санкт-Петербург, 2023);
— Useless Palace (Inloco gallery, Дубай, 2023);
— «12 листов», (Персональная выставка в галерее «3120», Санкт-Петербург, 2022);
— «Как нарисовать пустоту» (галерея Marina Gisich Projects, Санкт-Петербург, 2022);
— «Блеск и нищета» (ЦГК «Графит», Москва, 2021);
— «Новые руины. Стекло» (ЦВЗ Манеж, Санкт-Петербург, 2021);
— «АУ» (Музей Стрит Арта, Санкт-Петербург, 2021);
— «Неправда» (мастерская «10.203», Санкт-Петербург, 2021);
— «Мыс Лисий Нос» (Лисий Нос, Ленинградская область, 2020);
— «Хоть стой, хоть падай» (Музей Стрит Арта, Санкт-Петербург, 2019);
— «Баннерет» (порт Севкабель, Санкт-Петербург, 2019);
— «Уличная Грязь» (FUTURO Gallery, Нижний Новгород, 2018).

О РАБОТЕ

Однажды Тарковский уехал на съёмки фильма «Ностальгия»… и больше никогда не вернулся в СССР.

В 1-м Щиповском переулке когда-то стоял двухэтажный деревянный дом, где жил режиссёр. В 2018 году на стене рядом с этим местом появилась работа художника Zoom — героем стал Олег Янковский, исполнивший в фильме «Ностальгия» главную роль. Черно-белое граффити, быстро стало местом, где прохожие оставляли свои свечи, поддерживая свет, который художник спрятал в нише.

Нет уже ни Тарковского, ни Янковского, ни, увы, Zoom’а — художник скончался в 2023 году. Скоро не останется и работы. ZOOM

— один из самых известных стрит-артистов Москвы. Его понятные образы, заимствованные из известных и близких почти каждому кино и мультфильмов, а также мировых произведений искусства, превосходно вписались в городскую среду. Большая часть его работ появилась в районе Замоскворечье, поэтому его часто называют Замоскворечным Бенкси. Является лауреатом премии имени Олега Янковского 2020 года за работу с изображением героя актера из фильма «Ностальгия». Работал в Москве и Санкт-Петербурге с 2015 по 2023 год. В 2023 году скончался, оставшись анонимным.

Его работы — это обычно какой-то социально важный призыв, сочетающийся с образами персонажей поп-культуры. При их создании автор использовал, например, старые магнитофонные кассеты, скотч и любые другие материалы, которые было несложно потом убрать. Это подчеркивает особый подход стрит-артиста, который старался размещать свои произведения на бесхозных сооружениях и утилитарных городских зданиях — трансформаторных будках, бойлерных и хозпостройках. Zoom работал под девизом «Стрит-арт без вандализма» и даже не относил себя к художникам, называясь уличным дизайнером, который вполне реально оценивает свой вклад в развитие мирового и всякого другого искусства.

О РАБОТЕ

ЖИЗНЬ ПОСТЕРА НА УЛИЦЕ СКОРОТЕЧНА. В БОЛЬШИНСТВЕ СЛУЧАЕВ ОН ДЕМОНТИРУЕТСЯ ИЛИ ЗАКРАШИВАЕТСЯ КОММУНАЛЬНЫМИ СЛУЖБАМИ, НЕ ДОЖИВ ДО КОНЦА СЕЗОНА.
МОЗАИКА ИЗ МНОЖЕСТВА ПЛАКАТНЫХ СЛОЁВ, ЗАКЛЮЧЁННАЯ В 18-ЛЕТНЮЮ МЕТАЛЛИЧЕСКУЮ РАМУ, ТОЧНО ГЕОЛОГИЧЕСКОЕ ИСКОПАЕМОЕ — СЛЕПОК УШЕДШЕГО ВРЕМЕНИ, ПОЗВОЛЯЕТ ПРИКОСНУТЬСЯ К ТОМУ, ЧТО УЖЕ ИСЧЕЗЛО, И ВСЁ-ТАКИ ПРОДОЛЖАЕТ ЖИТЬ.

Коллаж создан из фрагментов забракованных художником плакатов, кусочков улиц, трансформировавшийся в самостоятельное произведение с фирменным персонажем Алексея Бархана, которого он размещает в городском пространстве уже более 20 лет.


АЛЕКСЕЙ БАРХАН

— художник из Санкт-Петербурга. Увлекшись граффити в конце 90-х, одним из первых в Петербурге начал эксперименты с техниками стикера и трафарета. Выпускник Санкт-Петербургского политехнического университета по специальности «Информационный дизайн» (2005) и Высшей Британской Школы Дизайна по направлению «Иллюстрация» (2012). Куратор проекта coderedgallery, выставляющего эволюционировавших из уличных практик художников. Лектор и автор образовательных программ в области графики и уличного искусства. Последние годы своей творческой практики создает студийные произведения на дорожных знаках и монументальные росписи, рассказывая собственную легенду на стыке культур и эпох, экспериментирует с формой и визуальным языком.

«Персонажи моих произведений — плод личной мифологии, где стерлись границы между эпохами, странами и сословиями. Сплавляя в работах равноценные для меня осколки исторического наследия и городских субкультур, я по-своему осмысляю риторику nobrow, актуальную в культурологии последних десятилетий».

— «Пространство многозначности» (персональная выставка
в пространстве 10.203, Санкт-Петербург, 2025);
— «Арт мир: пост-граффити» (Нижегородская ярмарка, Нижний Новгород, 2025);
— «Артефакты» (Стрит-арт хранение, Санкт-Петербург, 2024);
— Взгляды (фестиваль, Южно-Сахалинск, 2024)
— «Культурные ценности» (Зверевский центр современного искусства, Москва, 2024);
— «Куплю гараж» (Севкабель порт, Санкт-Петербург, 2024);
— Kaliningrart (фестиваль, Калининград, 2023);
— «Новый бестиарий» (Зверевский центр современного искусства, Москва, 2023);
— «Краткий справочник современной городской мифологии» (ЦСИ Винзавод, Москва, 2023);
— Стенограффия (фестиваль, Екатеринбург, 2022);
— «Фотографировать со вспышкой» (персональная выставка, Codered, Санкт-Петербург, 2021);
— Карт-Бланш (фестиваль партизанского искусства, Екатеринбург, 2020);
— Art of Reggae (Baltic Triangle, Liverpool, UK, 2017).

О РАБОТЕ

Кирилл Кто создает серию фотографий в живом пространстве города, оставляя на его лице — на реальной стене здания и поверх фото его фасада — улыбку, которая сползет стоит лишь утру наступить. Но виртуальные улицы запомнят, как вместе с новым днем, город встречал своих жителей свежей краской.


КИРИЛЛ ЛЕБЕДЕВ (КТО)

— культовая фигура московской граффити-сцены, известен не только как художник, автор разноплановых работ, но и как один из немногих теоретиков и кураторов стрит-арта. Родился в 1984 году в Зеленограде. Художественного образования не имеет.

В своем стремлении создать более рефлексивную, интеллектуальную и выразительную уличную культуру Лебедев периодически объявляет «войну» бессмысленным разновидностям граффити, в то же время постоянно пересматривая собственные представления и методы. Его последние работы часто представляют собой мрачные и пессимистические послания, выполненные в психоделически-пестрой манере — радостной и вместе с тем тревожной.

Участник арт-групп «Зачем?» (2002−2009) и No Future Forever (2005−2009). Сокуратор проекта «Стена» (ЦСИ «Винзавод», 2010−2013), инициатор и организатор первой в России премии в области уличного искусства «уЛичный вклад» (2013), соорганизатор экспозиции «Наше дело — подвиг!» (Московский музей современного искусства, 2014). В 2012 году — включен в список 50 самых влиятельных людей в русском искусстве (по версии журнала «АртХроника», Москва). В 2013 году — включён в список 20 самых влиятельных художников (по версии журнала Artguide). Работы находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Street Art музея (Санкт-Петербург).